Unlimited Space of Self-awareness:  Divine time of limited being _ Lee, Changsook(Art historian)


Oh, Soon Mi, since her early work, has created and inscribed her own artistic language in the repetitive space she created through reflected images. In recent years, her works embodied the introspective space of limited human beings in infinite space. Especially, the works that has been installed in restricted areas suggest her idea on the third time and space that leads the audience to the introspective space, as it functions as an organic area that condenses and expands according to angle and shape.

 This exhibition, 'Irreversibility of Time' is special for Oh's world of artwork. While her past works used infinite space as a tool to ask questions about the limited lifespan of human being, artworks in this exhibition attempt to approach 'limited time' that every human being inherits through clock with spring, wooden panel with lightings, and images of sunrise and sunset. Moreover, interactive experience that allows the audience to manipulate and touch the artwork enables deeper contemplation of limited time that is given to any human being.


Recognition of Time: <Unstable Equilibrium>

 The first artwork that you will encounter is <Unstable Equilibrium>. The work, installed at the darker part of exhibition, is a bright round panel that has lost its balance and is tilted to one side. Under the panel, bright lights are installed, aligning it with a round line. Lighting not only reveals the round shape, but also emphasizes a diagonal line. In order to balance the tilted panel, you cautiously step up to the panel one step at the time, and control the panel by balancing your legs. When you finally maintain level, the switch under the artwork turns off and the time of darkness begins.

 In the space only with darkness, the audience is isolated within. This sense of isolation dizzily provides the audience with the feeling that she or he is in the state of weightlessness in a wide universe, creating a sense of fear. However, this fear is not brought about only by darkness. Rather it is a feeling of terror that comes from the encounter of foundational essence. In infinite darkness, the audience is faced with intangible time that seems so tangible. The 'present' that we live in soon becomes the past, and the artwork gives the audience the opportunity to encounter this fact. Therefore, through these devices, Oh introduces an awareness of 'time.'

 Then, how does the artist think about the current moment? Here lies the life and philosophy of Oh. The reality that we face is sometimes cruel and cold. That is why we are fighting against and screaming at our lives. Living a challenging life feels like walking on a tightrope and Oh suggests that we should continuously balance ourselves on it. That is why we are facing darkness only when we balance ourselves. For Oh, darkness is not only a rest but also peace of mind. The peace that we feel is not easily earned, but given only when we keep thinking and putting more efforts into it. Indeed, the time of darkness is what the artist longs for.


How shall we live?!: <15 Min for freedom>

For most people these days, time is money. In short, time represents an economic value. As time and labor has become the subjects of exchange, time lost its essence and is only a means now. <15 Min for freedom>, therefore, makes us think about the fact that we have become slaves of time.

<15 Min for freedom> is 'a clock that can wind only 15 minutes' whithin a small box. Luxurious boxes that contain 'time' have a regular repetition of composition, and this tidy composition reminds the audience of the displayed goods at department stores.

Oh exchanges <15 Min for freedom> with money, and it might cause a misunderstanding that this artwork functions as a device that mocks the current exchange system or mass production industry. However, the artist rejects the perspective of equating time (her artwork) with monetary value. Then how should we understand her exchanging of artwork with money?

Typically, a sale of artworks has a goal of earning 'profit' but Oh's sale rather serves the purpose as an exchange. In short, she does not care about profit. This intention can also be deduced from how Oh decides the price of her artwork.

 The project <15 Min for freedom> has already been introduced before: Norway in September, 2016 and Spain in August, 2017. Therefore, this is her third time showing this project to public. When selling this artwork, Oh decides the price according to the GDP of each nation that she introduced her artwork to. And these prices were 200 NOK for Norway, 10 Euros for Spain, and 10,000 Won for Republic of Korea.

Through exchange of time and money, Oh grants the audience right to be a ruler of time. In other words, Oh is giving the audience full 15 minutes to enjoy. During this clock-ticking ‘15 minutes’, the audience can be absorbed in thoughts, wander around, or even listen to music. Then why is it "15 minutes" in particular? Is there a special meaning to it? Oh says she did not put special meaning on this particular timespan. It is just a sort of symbol. <15 Min for freedom> conveys a message that we should be aware of the finiteness of time that is given to us, and that we should become a ruler of it rather than a slave.


Again, in to our lives: <Sealed Eternity_Life>

Sun rising from darkness and clouds is grandeur. Oh named this 'birth'. Sun disappearing while it burns itself is solemn. Oh calls it 'rebirth'. <Sealed Eternity_Life> is an artwork that projects images of sunrise or sunset on white wall and screen that face each other while a beam projector is placed in between. Images were taken at Oreum (volcanic cone) of Jeju, Alvik of Norway, and Rota of Spain. Oh, as if she was undergoing a religious ritual, recorded video of sunrise and sunset for 40 days at the same location, and picked the best images.

 This structure made up of two screens and one beam projector seems like an artwork itself. However, when we take a closer look, the shape is ironic and it almost feels like seeing a mirror box of a magician. The shape of the artwork somewhat makes sense but when we think logically, it does not make sense at all. The reason behind this is that one beam projector projects images on two screens.

 The secret behind this is a mirror. Oh was able to obtain such an effect by using one sheet of specially manufactured mirror. The artist combined mirror with glass in order to utilize characteristics of both materials. In short, the effects of reflection from mirror and penetrability of glass are combined in this one sheet of processed mirror which is placed in front of beam projector.

 Because images on two separate screens come from different sources, reflection and penetration, each image itself does not complete the artwork. In other words, the artwork is intact only when the images are combined. Then why did Oh use such a technique that feels almost like a trick? What did she want to say?

 The strategy of projecting one scene to two different screens is an alteration of a technique that Oh has been using for a long time to reflect her idea about world or universe. For example, <Cosmos Fractal> features squares that signify yin and circles that imply yang. These squares and circles the symbolize universe where everything is harmonized. However, in <Sealed Eternity_Life>, one complete set of video is divided into two to imply yin and yang; this is a modification of Oh's original approach.

 Moreover, Oh's perspective on time is revealed when she named sunrise as 'birth' and sunset as 'rebirth,' rather than as death. In Western culture, time is considered to be on a straight line. However, from an Asian perspective, time has a circular characteristic. In other words, Oh is dealing with a cycle of life and death. For Oh, sunset is not a time that takes everything away but a time and a passage that we all must go through to retrieve light again.

 Since the time of ancient Greece, philosophers and scientists strived to find the essence of time. Then why did humankind immerse themselves in such an endeavor? What did they want to gain? The purpose and conclusion behind such an effort may differ by paradigm to paradigm, but is there not a meaning to our‘existence’ as Heidegger suggested? I would like to conclude my words by casting a question: wouldn’t it be the case that the ‘time’ in Oh’s artworks also tries to call people’s attention to existence and the attitude on human lives?



무한한 자각의 공간: 유한한 존재의 존엄한 시간 _ 이창숙(미술사)


 오순미 작가는 작품 활동 초기부터 반사의 이미지를 통해 무수하게 반복되는 공간을 만들고 그 공간 속에 자신만의 조형 언어를 새겨 온 작가이다. 최근 몇 년간 그녀는 무한한 우주 안에 존재하는 유한한 인간에 대한 성찰적 공간을 작품 속에 형상화 시켜왔다. 특히 한정된 공간에 설치된 작품들은 각도나 모양에 따라 작은 공간으로 응축되고 확장되어 나타나는 유기적 공간으로 관객을 자아성찰적 공간으로 안내하는 제 3의 시공간을 제시해 왔다.

이번 전시 ‘시간의 불가역성’ (Irreversibility of time)은 작가의 작품 세계에 있어 조금 특별하다. 과거 작가의 작품이 주로 유한한 인간에 대한 질문으로 무한한 공간을 도구로 사용했다면, 이번 전시에서는 언젠가는 필연적으로 죽음을 맞이하는 존재가 가진 ‘유한한 시간’을 태엽이 달린 시계, 조명이 달린 우드 판넬, 일출과 일몰의 영상을 통해 접근을 시도한다. 또한 관람자가 직접 조작하고 만지는 등 작품과의 접촉을 통해 인간에게 허락된 유한한 시간을 좀 더 깊숙하게 접근하고 사유케 한다.
시간에 대한 인식: <불안전한 평정> Unstable Equilibrium

전시장에서 처음 만나게 되는 작품은 <불안전한 평정>이다. 어두운 전시 공간에 설치된 이 작품은 하얗고 둥근 패널로서 중심을 잃고 한쪽으로 기울어져 있다. 패널 밑에는 둥근 선을 따라 하얀 조명이 설치돼 있다. 조명은 둥근 형태의 윤곽을 밝혀주기도 하지만, 기울어진 사선의 형태를 강조하기도 한다. 기울어진 패널의 중심을 맞추기 위해 조심스럽게 한 발씩 지면에서 발을 떼고 패널 위로 올라간다. 그리고 다리에 힘을 조절해가며 중심을 맞춘다. 아슬아슬하게 중심을 맞춰 수평을 유지하는 순간, 작품에 설치된 조명 스위치의 불은 꺼지고, 적막한 어둠의 시간이 시작된다.

어둠만이 깔린 공간에서 관람자는 공간 속에 고립 된다. 아찔하게도 이 고립감은 넓고 넓은 우주 속 무중력 상태에 부유하는 느낌을 주고, 공포감을 불러온다. 그렇지만 이 공포감은 단지 어둠이 주는 공포감이 아니다. 인간이 근원적인 본질과 마주한 것으로부터 오는 두려움에 가깝다. 무한한 어둠 속에서, 잡힐 듯 잡히지 않는 시간과 마주하는 것이다. 우리가 숨쉬는 ‘지금’도 금세 과거가 돼버리는 시간과의 대면인 것인데, 작가는 이러한 장치를 통해 작가가 부여한 ‘시간’에 대한 자각을 제시한다.

그렇다면, 작가는 이 순간을 어떻게 이야기 할까? 여기에는 작가의 삶과 철학이 녹아있다. 우리가 사는 현실은 때론 잔혹하고 냉혹하다. 그렇기 때문에 우리는 세상에 부딪혀야만 하고, 아우성을 치기도 한다. 만만찮은 세상에서 우리의 삶은 외줄타기와 같고, 작가는 이 흔들리는 외줄타기에서 끊임없이 균형을 잡고, 중심을 잡아야만 한다고 말한다. 그래서 작품에서와 같이 우리가 중심을 잡을 때 비로소 어둠을 만나게 된다. 작가는 어둠을 안식이자, 마음의 평정으로 상정한다. 우리가 느끼는 이 평정은 단순히 손쉽게 주어지는 것이 아니라, 끊임없이 성찰하고 노력해야 손에 쥘 수 있는 것이다. 어둠의 시간은 작가가 갈망하는 시간인 것이다.


어떻게 살 것인가?!: <15분의 자유> 15 Min for freedom

현대인들에게 시간의 가치는 흔히 ‘시간=돈’으로 표현된다. 즉 시간이 경제적 가치인 것이다. 인간의 시간과 노동이 현금과 교환으로서의 대상이 되면서, 이제 시간은 그 본질을 잃고 수단이 되고 만 것이다. <15분의 자유>는 시간의 노예로 전락한 아쉬움을 담아, 시간의 가치를 사유하게 한다.

 <15분의 자유>는 ‘15분이라는 한정된 시간을 태엽에 감아 돌리는 시계’로 작은 상자에 담겨있다. 시간이 담긴 고급스러운 상자들은 전시 공간의 벽면에 가로와 세로, 규칙적으로 배열이 되어 나타나는데, 이 정돈된 배치는 백화점의 상품 진열대를 연상시킨다.

작가는 <15분의 자유>를 돈과 교환 행위를 하는데, 이런 행위들은 시간을 돈으로 바꾸는 교환 체제 혹은 대량 산업 체제를 비꼬는 장치로 오인할 수 있다. 이에 대해 작가는 ‘시간(작품)=돈’ 바라보는 교환 체제로 바라보는 것을 거부한다. 그렇다면 작가의 돈과 교환 행위는 어떤 시각으로 봐야 할까?

일반적으로 작품 판매가 ‘수익성’을 목적에 두고 이루어진다면, 오순미 작가의 작품 판매 행위는 판매 행위라기보다는 교환 기능에 가깝다. 즉 수익성에 목적이 없다. 이런 작가의 의도는 작품 가격을 책정하는 과정에서도 유추할 수 있다.

 <15분의 자유> 프로젝트는 2016년 9월 노르웨이, 2017년 8월 스페인에서 이미 소개가 된 바 있다. 서울에서 열리는 이번 전시가 3번째 프로젝트인 것이다. 작가는 이 작품을 제작한 초기부터 지속적으로 나라에 따른 국민총생산(GDP)에 대비하여 평균적인 15분의 가치를 계산하여 판매해 왔다. 그렇게 환산한 가격은 노르웨이 NOK200, 스페인 EUR10, 대한민국 10,000원이다.

돈과 시간의 교환 행위를 통해 작가는 관람자에게 시간을 지배할 권리를 부여한다. 다시 말해 관람자들에게 오롯이 15분에 대한 자유를 주는 것이다. 째깍거리는 소리를 내며, 태엽이 움직이는 15분 동안, 관람자는 사색에 빠져도 좋고, 음악을 들어도 좋다. 작가는 왜 하필 15분을 파는 것일까? 15분에 의미가 있는 것일까? 작가는 15분에 대해 큰 의미를 부여하지 않았다고 말한다. 즉 15분은 ‘시간’에 대한 일종의 상징이다. <15분의 자유>에는 시간에 종속되기 보다는 우리에게 부여된 유한한 시간을 깨닫고, 시간의 주인이 되기를 상기시키려는 의지가 담겨있다.


또 다시 삶 속으로: <봉인된 시간_삶> Sealed Eternity_Life

해가 어둠과 구름을 걷고 떠오르는 순간은 장엄하다. 작가는 이것을 ‘탄생(Birth)’이라 명명했다. 또 밝디 밝은 해가 붉은 몸을 태우며 사라지는 모습은 숙연해진다. 작가는 이것을 ‘거듭남(Rebirth)’로 명명했다. <봉인된 시간_삶>은 한 개의 빔 프로젝트를 사이에 두고 대칭을 이루 듯, 하얀 벽과 스크린이 마주보고 있고, 이 두 곳에는 일출 혹은 일몰의 영상이 동시에 투사된다. 제주의 저지오름과 노르웨이 올빅, 스페인 로타에서 촬영한 일출과 일몰의 영상이 바로 그것이다. 상영되는 영상은 작가가 의식을 치르 듯, 한 장소에서 약 40일 동안을 왕래하며 촬영한 것 중에서 일출과 일몰이 잘 드러나는 것을 선별한 것이다.

두 개의 스크린과 한 개의 빔 프로젝트가 놓인 이 구조적 형상은 그 자체로도 작품처럼 보인다. 그런데 자세히 보면 이 형상은 마술사의 거울 상자를 보는 듯 아이러니한 형상이다. 뭔가 그럴 듯해 보이지만, 논리적으로 생각하면 이치에 어긋나는 연출인 것이다. 바로 한 개의 빔 프로젝트가 두 곳에 영상을 투사한다.

여기에 대한 비밀은 거울에 있다. 작가는 한 장의 거울을 통해 이것을 해결했다. 작가는 한 장의 거울에 유리를 가공해 만든 ‘거울 상태’와 가공하지 않은 ‘유리 상태’를 이용하였다. 즉 ‘거울의 반사 성질’과 ‘투명한 유리가 사물을 투과하는 성질’, 이 두 가지를 한 장의 거울에 담은 것이다. 빔 프로젝트 앞에 놓인 거울이 바로 그것이다.

두 개의 스크린에 나타나는 영상은 각각 거울에 반사되어 나타나는 상과 그대로 투과되어 나타나는 상이기 때문에 하나의 영상만을 봐서는 완성된 형태가 아니다. 다시 말하면, 두 개의 장면이 합쳐져야 오롯이 한 장면이 된다. 그렇다면, 작가는 왜 트릭과 같은 기술을 이용한 것이고, 과연 무엇을 이야기 하고자 했을까?

한 장면을 두 개로 분할시켜 각 스크린에 투사하는 전략은 작가가 오래 전부터 가져온 우주관 혹은 세계관을 반영하여, 변형한 형상이다. 이를 테면 <우주의 프렉탈> Cosmos Fractal 에는 ‘원(양/+)’과 ‘사각형(음/-)’을 변형한 조형적 기호가 나타나는데, 이 기호들은 만물의 조화를 이루는 우주를 상징한다. 그런데 <봉인된 시간_삶>에서는 원래는 한 개의 영상이, 각각의 분할되어 상영되는 것은, 양과 음을 상징하는 하는 것으로 과거의 표식의 변형인 것이다.

또한 일출을 ‘탄생’으로 일몰을 죽음이 아닌 ‘거듭남’으로 명명한 것에서 작가의 시간에 대한 사고가 나타난다. 서양에서 시간은 보통 직선적인 시간을 가진다. 그런데 동양에서의 시간은 순환적인 시간을 가지고 있다. 결국 작가는 삶과 죽음의 순환적 사고를 다루는 것이다. 작가에게 일몰은 모든 것을 앗아가고 사라지게 하는 시간이 아니라, 밝음이 오기 위해 반드시 거쳐야 하는 시간이자 통로인 셈이다.

고대 그리스 시대부터 지금까지 많은 철학자와 과학자들은 시간의 본질을 찾기 위해 노력해왔다. 그런데, 인류는 무엇을 얻고자 끊임없이 시간에 몰두해 온 것일까? 시대가 요구하는 패러다임에 따라 목적도 다르고 도달한 결론도 다르지만, 하이데거가 그랬던 것처럼 궁극적으로 ‘존재’의 의미를 밝히기 위한 것이 아니었을까? 작가 오순미의 작품에 나타난 시간도 결국 실존에 대한 인식과 삶에 대한 태도를 환기시키기 위한 것이 아닐까 의문을 던져본다.


http://arthub.co.kr/sub01/board05_view.htm?No=25228